Portrætter
Tegnede portrætter fra det 15. århundrede - for eksempel af Pisanello eller Jan van Eyck - kan betragtes som afsluttede billedværker i deres koncentration, udførelse og distribution af rummet. Den klare, nøje afgrænsede repræsentation følger enhver detalje på overfladen og stræber efter realisme. Profilen, rig på detaljer, foretrækkes; der ligner lettelse, det svarer til medaljen. Dernæst i fremtrædelse af den rene profil kom profilen med tre kvartaler med sin mere rumlige virkning på spidsen for at forblive i århundreder den klassiske portrætstilling.
Det tætte forhold til maleriet gælder praktisk talt alle portrættegninger fra det 15. århundrede. Selv et så kraftfuldt værk som Dürers tegning af kejseren Maximilian opstod som et portrætstudie til et maleri. Samtidig udgør nogle af Dürers portrættegninger tydeligt det sidste trin i en kunstnerisk virksomhed, en ambivalens, der også kan observeres i andre portrætter fra 1500-tallet. Jean og François Clouets værker i Frankrig og den yngre Hans Holbein i Schweiz og endnu mere markant i England i det samme århundrede skabte en autonomi for portrættegning, især når en tegning blev afsluttet med kridt i forskellige farver. Valget af det blødere medium, konturen, som for al dens nøjagtighed er mindre alvorligt selvstændig, og den mere delikate indvendige tegning med plane elementer giver disse tegninger en livligere, mere personlig karakter og fremhæver endnu en gang deres nærhed til maleri.
Inden for polykromatisk kridteknik og pastel opretholdt portrættegning sin uafhængighed i det 19. århundrede. I det 18. århundrede var Quentin de La Tour, François Boucher og Jean-Baptiste Chardin - alle disse kunstnere fra Frankrig - blandt dens hovedudøvere, og endda Ingres, der boede i det 19. århundrede, brugte stadig sin teknik. I pastelmaleri opvejer portrættet alle andre emner.
I valget af position, type og udførelse påvirkes portrætmaleri, ligesom andre kunstarter, af en epoks generelle stilistiske træk. Således blev den ekstreme billedlige holdning af den sene barok og Rococo efterfulgt af en skærpet undfangelse under neoklassicismen, der foretrak monokrome teknikker og dyrkede såvel den specielle form af silhuetten, en profilkonturstegning med området udfyldt i sort. Skaberne af portrættegninger fra det tidlige 19. århundrede målte endnu en gang den nøjagtige gengivelse af detaljer og plastiske effekter, der blev opnået gennem de mest omhyggeligt valgte grafiske medier: den tynde, hårde blyant var deres yndlingsinstrument, og sølvpunktet blev også genopdaget af romantikerne.
Mere interesseret i de psykologiske aspekter af portrætter, foredragere fra det sene 1800- og det 20. århundrede foretrak de blødere farveblyanter, der let følger enhver kunstnerisk impuls. Beslaglæggelsen af karakteristiske elementer og en passende planafgivelse vejer tungere med dem end realistiske detaljer. Humørelementer, intellektuel spænding og personlig engagement er typiske træk ved det moderne portræt og dermed også i moderne portrættegning, en kunst, der fortsat dokumenterer kunstnerens personlige håndværk ud over egenskaberne ved forskellige teknikker.
Landskaber
Allerede i det 15. århundrede opnåede landskabstegninger også tilstrækkelig autonomi, så det er svært at skelne mellem den færdige undersøgelse med baggrund i et bestemt maleri og et uafhængigt, selvstændigt skitseret landskab. Allerede i Jacopo Bellinis skitserbøger fra det 15. århundrede (bevaret i albums i British Museum og Louvre) er der en intim forbindelse mellem naturstudie og billedstruktur; i Titians studie i det 16. århundrede skal landskabsskitser være blevet vist som forslag til billedlige baggrunde.
Men det var Dürer der udviklede landskab som et husket billede og autonomt kunstværk, kort sagt, som et eget tema uden henvisning til andre værker. Hans akvareller frem for alt, men også tegningerne af hans to italienske rejser, fra omgivelserne i Nürnberg og af rejsen til Holland, repræsenterer de tidligste rene landskabstegninger. Århundreder måtte gå, før sådanne tegninger forekom igen i denne absolutte formulering.
Landskabselementer var også meget betydningsfulde i det 16. århundrede tyske og hollandske tegninger og illustrationer. Den figurative repræsentation, der stadig findes i de fleste tilfælde, er formelt ret integreret i det romantiske skov-og-englandskab, især i værkerne fra Donau-skolen - for eksempel Albrecht Altdorfer og Wolf Huber. Oftere end på andre skoler finder man her omhyggeligt udførte naturudsigter. I Holland trak Pieter Bruegel topografiske synspunkter såvel som frie landskabskompositioner, i begge tilfælde som autonome værker.
I det 17. århundrede nåede naturundersøgelsen og landskabstegningen, der voksede ud af den ud, en ny højde. Landskabstegningerne af Accademia degli Incamminati (for eksempel Domenichino) kombinerede klassiske og mytologiske temaer med heroiske landskaber. Franskmanden Claude Lorrain, der bor i Rom, arbejdede ofte under den åbne himmel og skabte landskabstegninger med en hidtil uopnåelig atmosfærisk kvalitet. Denne type kultiverede og idealiserede landskab, afbildet også af Poussin og andre nordboere bosiddende i Rom (de blev kaldt hollandske romanister i betragtning af, at så mange kunstnere fra Holland boede i Rom, hvor deres tegninger af Italien opnåede en næsten æterisk kvalitet), er i modsætning til det uheroiske, nær-naturkoncept af landskab, der primært ejes af nederlænderne, når de skildrer landskabet i deres hjemland. Alle landskabsmalerere - deres landskabsmalerier en specialitet, der var stærkt repræsenteret i de kunstnerisk specialiserede lavlande - skabte også uafhængige landskabstegninger (Jan van Goyen og Jacob van Ruisdael og for eksempel hans onkel og fætter), hvor Rembrandt igen besatte en særlig position: at fange egenskaberne i en region ofte med kun et par streger, forbedrede han dem på en sådan måde, at de erhverver monumental udtryksmagt selv i det mindste format. I Italien fra 1700-tallet fik den topografisk trofaste landskabstegning vægt med tilkomsten af Vedutisti, formidlere af "synspunkter", og dannede en gruppe af sig selv (blandt dem Giambattista Piranesi og Canaletto [Giovanni Antonio Canal]) og arbejder ofte med sådanne optiske hjælpemidler som den graticulate ramme og camera obscura. Landskabstegninger med større kunstnerisk frihed såvel som imaginære landskaber blev udført mest succesfuldt af nogle franske kunstnere, blandt dem Hubert Robert; billedligt og atmosfærisk nåede disse temaer en anden blomstring i det børstetegnede landskab af så engelske kunstnere som Turner og Alexander Cozens, hvis indflydelse strækker sig langt ind i det 20. århundrede.
I betragtning af deres stærke interesse for afgrænsning observerede det 18. århundrede tegnerne af neoklassicisme og endnu mere romantikken naturen med topografisk nøjagtighed. Som en ny "opdagelse" indtog den romantisk og heroisk overdrevne alpine verden sin plads i kunstnerens sind sammen med den arkadiske udsigt over det italienske landskab.
Landskabstegninger og endnu mere, akvareller, dannede et uudtømmeligt tema i det 19. århundrede. Den franske kunstner Jean-Baptiste-Camille Corot og mod slutningen af århundrede Cézanne og van Gogh var blandt de største skabere af landskabstegninger. Landskaber udgjorde en del af arbejdet for mange tegnere fra det 20. århundrede, men i store dele af århundredet indtog genren som sådan andenpladsen til generelle formproblemer, hvor emnet kun blev behandlet som et udgangspunkt. I løbet af de sidste 30 år af det 20. århundrede vendte imidlertid et stort antal amerikanske kunstnere tilbage til repræsentation, hvorved de geninvesterede i landskabet som emne.
Figurkompositioner og stilleben
Sammenlignet med hovedtemaerne for autonom tegning - portrætter og landskab - er alle andre af mindre betydning. Figurkompositioner afhænger meget af deres tids maleri og er ofte direkte forbundet med det. Der var, helt sikkert, kunstnere, der behandlede deres tegninger med temaerne monumentalt maleri, som f.eks. Det 17. århundredes gravør og ætser Raymond de La Fage; generelt er det kunstneriske mål med figurkomposition imidlertid billedet, hvor tegningen kun repræsenterer et nyttigt hjælpemiddel og en waystation. Genrescener, især populære i de laveste lande fra det 17. århundrede (som gjort af Adriaen Brouwer, Adriaen van Ostade og Jan Steen, for eksempel) og i det 18. århundrede Frankrig og England, opnåede nogen uafhængig status. Også i det 19. århundrede var der tegninger, der fortalte historier om hverdagen; ofte illustrerende med karakter, kan de kaldes "små billeder", ikke kun på grund af det ofte flerfarvede format, men også i deres kunstneriske udførelse.
Stilleben kan også hævde at være autonome tegninger, især repræsentationer af blomster, såsom dem af den hollandske kunstner Jan van Huysum, som har været populær lige siden det 17. århundrede. Også her er det sandt, at et veludformet arrangement omdanner en øjeblikkelig naturundersøgelse til en billedkomposition. I nogle af disse kompositioner er ligheden med maleri meget stærk; pastellerne fra for eksempel det 19. og 20. århundrede kunstner Odilon Redon, eller værket af det tyske ekspressionist Emil Nolde fra det 20. århundrede, med sin kromatiske intensitet, overskrider helt skillelinjen mellem tegning og maleri. I stilleben som i landskaber er autonome formprincipper vigtigere for moderne kunstnere end den faktiske erklæring.
Fantastiske og ikke-repræsentative tegninger
Tegninger med imaginære og fantasifulde temaer er mere uafhængige af den ydre virkelighed. Drømmeoptagelser, metamorfoser og sammenblandingen af separate niveauer og regioner af virkelighed har været traditionelle temaer. Hieronymus Boschs sene 15. århundredes fantasmagoriske værker er et tidligt eksempel. Der er allegoriske bondescener af den 16. århundrede flamske kunstner Pieter Bruegel og karnevaletserne fra det 17. århundredes franske kunstner Jacques Callot. Andre, hvis værker illustrerer, hvad der kan gøres med tegning uden for landskab og portrætter, er: den italienske gravør fra det 18. århundrede Giambattista Piranesi, den anglo-schweiziske kunstner fra det 18. århundrede Henry Fuseli, den engelske illustratør Walter Crane fra det 19. århundrede, fransk fra det 19. århundrede Symbolistkunstneren Gustave Moreau og surrealistene i det 20. århundrede.
Ikke-repræsentativ kunst med sin reduktion af de grundlæggende elementer i tegning - punkt, linje, plan - til ren form bød på nye udfordringer. Gennem afståelse af associative korporære og rumlige forhold får udfoldelsen af tegningens dimensioner og strukturen af de forskellige medier ny betydning. De grafiske kvaliteter af linjen i flyet såvel som det umarkerede område var allerede blevet understreget i tidligere tider - for eksempel i grotteschi af Giuseppe Arcimboldo i det 16. århundrede (de fantasifulde eller fantastiske repræsentationer af menneskelige og dyreformer ofte kombineret med hinanden og sammenvævet med repræsentationer af løv, blomster, frugt eller lignende) og i kalligrafiske øvelser såsom moresker (stærkt stiliseret lineært ornament, baseret på blade og blomster) - men mest som udskrivnings- eller graveringsmodeller til de mest forskellige dekorative opgaver (indvendig udsmykning, møbler, redskaber, smykker, våben og lignende).
