Koreografi dansekomposition

Koreografi, kunsten at skabe og arrangere danser. Ordet stammer fra det græske for "dans" og "skriv." I det 17. og 18. århundrede betød det faktisk den skriftlige fortegnelse over danser. I det 19. og 20. århundrede skiftede betydningen imidlertid unøjagtigt men universelt, mens den skriftlige plade blev kendt som dansens notation.

dans: koreografi

Koreografi er kunsten at gøre danser, indsamling og organisering af bevægelse i orden og mønster. Seneste

En kort behandling af koreografi følger. For fuld behandling, se dans: Koreografi; dans, vestlig.

Dansens sammensætning er kreativ på samme måde som musikkompositionen er. Notationen om dans er imidlertid et arbejde med analyse og rapportering, der generelt udføres af andre mennesker end koreografen, på sprog eller tegn, som skaberen måske ikke kan forstå.

Under renæssancen underviste dansemestre i Italien, såsom Domenico da Piacenza, sociale dans ved domstolen og begyndte sandsynligvis at opfinde nye eller arrangere varianter af kendte danser og således kombinere en kreativ funktion med deres uddannelsesmæssige. Iscenesat ballet beskæftigede sig med de samme trin og bevægelser som social dans og adskiller sig fra det primært i gulvarrangement og visuel projektion.

I det 16. århundrede organiserede dansemestre ved den franske domstol så gulvmønstre og teatralske og kunstneriske sammenhænge i deres sociale danser til at indlede en koreografisk form, ballet de cour. I de to århundreder, der fulgte, udvidede kløften mellem social dans og teaterdans, indtil ballet i det 19. århundrede opnåede et grundlæggende uafhængigt ordforråd.

Balletmesteren i denne æra, koreografen, var en arrangør af dans som teaterkunst. Kæmpen i koreografien i det sene 1700-tallet var Jean-Georges Noverre, hvis værker og skrifter fik den dramatiske ballet eller ballet d'action til at fejre. I dette indarbejdede ballet både mime og akademiske danse, hvilket gav udtryk for dansen ved fortællende og histrionisk kontekst. Efter Noverre og hans samtidige Gasparo Angiolini udviklede andre denne tendens på forskellige måder - især Jean Dauberval i den realistiske skildring af moderne countryfolk, Charles Didelot i bevægelse mod romantisk scene illusion og fantasy, og Salvatore Viganò i den dramatiske anvendelse af ensemblet (koreodramma) og naturlighed i tragisk gestus.

Koreograferne af den romantiske bevægelse beskæftigede ballet, som blev kodificeret af mestre som Carlo Blasis, hovedsagelig i ballet d'action teaterformer på Noverres tid eller i opera-omlægninger (balletiske mellemrum). Ballerinaen, hendes rolle forstærket af det nyligt opfandte pointerværk (balanceposition på ekstreme tåspids), og det kvindelige korps de ballet fik begge en fremtrædende rolle. De koreografer, der bedst udviklede kunsten at teaterdansfortælling var August Bournonville i København; Jules Perrot, især i London og Skt. Petersborg; og Marius Petipa, der i St. Petersborg bragte den spektakulære klassiske ballet-handling til sit højdepunkt i værker som Den sovende skønhed, hvor udvidede og komplekse suiter af klassisk dans bragte poetisk og metaforisk udtryk til handlingen.

Tidlig moderne dans i USA introducerede nye elementer i bevægelse og udtryk; og i ballet fremhævede Michel Fokines arbejde mere naturalistiske stilarter og et mere potent teaterbillede end Petipas balletklassisisme havde. Siden da har koreografiske former varieret mellem repræsentations- og abstraktionspolerne.

Dansnotation i det 20. århundrede kom til at beskæftige sig med grundlæggende bevægelse såvel som formel dans og blev hjulpet af opfindelsen af ​​nye systemer med abstrakte symboler - dem af Rudolf von Laban og Rudolf Benesh var de mest indflydelsesrige. Labanotation var den første til at indikere varighed, flytning eller bevægelsesintensitet. I dag er disse systemer og andre fortsat med at udvikle sig hurtigt, forstærket med film og videobånd.

Koreografi udviklede sig ikke mindre hurtigt. Metoder til sammensætning varierer radikalt - nogle koreografer bruger deres danseres improvisationer som råmateriale, andre udtænker hver bevægelse inden generalprøven. Merce Cunningham ændrede radikalt konteksten for koreografi i sin holdning til musik og indretning som sammenfaldende (snarere end samarbejdende eller støttende) til dans, i hans anvendelse af tilfældige metoder inden for dansesammensætning og -organisation og i hans brug af ikke-teatralsk performance plads. Han, George Balanchine og Sir Frederick Ashton blev de førende eksponenter for klassisk eller abstrakt dans; men de to sidstnævnte to - ligesom Martha Graham, Leonide Massine, Jerome Robbins og andre - producerede også store repræsentative koreografiske værker. De eneste absolutte regler i koreografi i dag er, at den skal pålægge dans rækkefølge ud over niveauet for ren improvisation, og at den skal forme dansen i de tre dimensioner af rummet og den fjerde dimension af tiden, såvel som i henhold til det menneskelige potentiale legeme.